だからこそ、主君への忠義のために家族を殺してしまう「押上植木屋」「郡司兵衛内」で、岡田さんがはっきりと「歌舞伎ってよくわからん」ということを登場人物に言わせているのが、現代に沿わない価値観はここだよなとめちゃくちゃ納得できた。歌舞伎だけではなく古典の現代版上演で理解しがたいのは性差別や人種といった今の社会で話題になる問題よりも、王制とか武士道/騎士道とか儀礼とかじゃない？と個人的によく感じていたので、このメタ的な言及は面白かった。
岡田さんは当パンの中で自分は原典の翻訳をしたのだ、と書かれているのだけど、確かに「翻案」というよりもその言葉が近い印象を受けた。素人ながら、台詞の言葉も歌舞伎の様式の諸要素も、ほぼ一対一対応に愚直に置き換えたのではないかと思う。大向こうまで舞台に取り込んでいたのがすごく面白くて、この慣習も含めて歌舞伎なのだなと思いつつ、歌舞伎の観客と今劇場で観ている観客の連続性をないものとするかのような大胆さにも驚いた。でも、あの大向こうさんを見世物的に眺める感覚は、歌舞伎座に行くのは数年に一度、くらいの人間には結構リアルで、自分の観劇体験を改めて振り返ったりも。
木下歌舞伎『桜姫東文書』
予習のために原典のあらすじを確認したとき、転生女体化ものの創作BLでめっちゃありそうなストーリー、と思ったのだけど、実際木下さんと岡田さんのトークイベントの中でも21年の歌舞伎座公演でもオタクが萌えたと言われていて笑ってしまったw
古典の翻案において、現代においては保守的差別的とされる設定やプロットをどうアップデートするかは重要な焦点の一つで、当パンでも木下さんがジェンダーや障害に少し言及してたりする。でも、上演としてはそのプロットに批判的な言及がある風でもなくて、私はそれが良かったと思った。つまり、（お二人のインタビューの言葉を借りれば）「アンモラル」な部分を、エンタメ的に消費/消化してしまうところって今の私たちにもあって（BLつながりで言うなら例えば同意のない性行為から関係が始まる創作は結構多い）、そういう不謹慎さを過去のものとして突き放すよりも、その感覚を理解できてしまうとするところに今回の翻案の意義があったように思う。性や障害、家父長制みたいなテーマにおける差別に関するモラル/倫理観が、少なくとも今の日本の社会の感覚では劇的に変わったとも思えないし、その意味で歌舞伎原作を現在と切り離す解釈は逆に無責任かもしれないとさえ思う。
前に、イギリスで好きな演出家誰ですかって聞かれて、サラ・フランコム、ロバート・ソフトリー・ゲイル、あと一人は決められないと返したのだけど、いまだにその一人を誰にするか考えてしまう。いや、別にベスト3にする必要もないのだけど。イヴォ・ヴァン・ホーヴェは（イギリスではないけど）なるべく観に行くようにしてたけど、そういうことでもないし、単発ですごい！と思う人はいるけど、演出の名前で観に行くって感じでもなかったし。マイケル・ロングハーストかリンゼイ・ターナーあたりかなぁ、しいて言えば。また変わると思うけど。
Danai Gurira, Eclipsed
第二次リベリア内戦下で兵士たちの性奴隷として生きる女性たちを描いた中編戯曲。２０１６年のオビー賞受賞作でした。
個人的に一番面白かったのは文体。大部分の登場人物の台詞がリベリア英語で書かれており（訛りをそのまま文字に起こしていて、RPで書いて「リベリア訛り」のようなト書きがついている形式ではない）、対してト書きはいわゆる米語で書かれている。この劇世界（登場人物同士の会話）とト書き（作者から観客/読者への文章）の切り分け方のクリアさは、意外と他の作品では見ないと思う。それは、突き詰めるとリベリアの抑圧された女性の表象と作者を切り分けるものでもあって、それを無責任さととるか作者という特権的な立場に対する誠実さととるか評価は分かれるかもしれないけど、私は後者ととった。「英語」というある意味普遍的でかつ地域性の強い言語だからできる文体でもあると思う。
ついト書きを意識してみちゃうと会で話したら面白がられてしまった。えっみんな気にならないのかぁ、と自分の戯曲フェチ？に気づくのも楽しい。
ほとんど思い付きの解釈だけれど、ジョージとマクロスキーが一人二役でホワイトフェイスで演じられていて、しかもそれを演じるのが作者自身のキャラクターを演じる役者とも同じ。こうした仕掛けの前提がある中で、この二人が殴り合いのけんかをするという場面って、ひとりの人格のうちに大きな分裂があること印象付けるというか、言い換えれば黒人差別が矛盾の上でしか成り立たないということをパフォーマンスで見せることができるのかなと思った。
An Octoroon後半
面白かった。異化効果の入れ込み方がすごく好みで、演劇的な要素の見せ方と人種問題の批判との絡ませ方が素晴らしいなと思った。シーン3で、ブレヒト的すぎるかも…と投げやりな感じでぼやきだす作者のト書きとか最高に好き笑。
ただ、だからこそ「どう上演するの？」って問題は会でも話題になったところ。ホワイトフェイスで主要キャラクターを一人二役、みたいなことって文字の上で読むうえでは面白いけれど、実際の上演では観客が冷めることなくその無茶苦茶さを楽しめるのかなとか。
あと、女性キャラクターがこうした異化効果演出に関わらないところも指摘があった。ジェンダー差でドラマとメタのコントラストを生むためとも言えるし、翻案としてのアップデートが出来てないとも言えるし。
黒人問題にクリティカルな作品は現状どうしても日本での上演が難しいのだけど（英米間のトランスファーでさえ時に限界があるとも思う）、だからこそ改めて戯曲を読むというのは大事なアプローチだよなと思う。
青年団『日本文学盛衰史』
初演も観ているのだけど、今回は良くも悪くも明治～大正期の東京の文豪の…、というスペシフィックな話という風な理解が深くなって「文学とは」みたいな普遍性は弱く感じた。その見え方の変化は特に再演によるものではなく、留学の成果という個人的な要因かも。
各場それぞれの時期の作家たちを取り巻く状況の細かな描写と大振りと勢いの時事ネタのコントラストが割とはっきり見えて面白かった（作品の構造を知ってた有利さもあるか）。逆に四場後半は（戦後文学から大江、村上の言及を経たとしても）そんな普遍的な話につながる？と浮いていたような印象。明治の作家の考える文学や国語の問題は宇宙にまで飛ぶだろうかと、それを普遍なものとするならもう何段階か語りが要るだろうと、西洋かぶれ的には思ってしまったというか。
言ってしまえば、そういう日本文学史観はちょっと古いよねってことでもあるんだけど、オリザさんの作品の保守的な部分って、どこまで確信犯的に書いているのか測りにくいところもあって（それも含めての確信犯だと思うけど）だから批判しにくいよなーってのはよく思う笑。
とはいえ、とても面白かった。青年団作品の中では突出して賑やかなのも好きなところ。
日本の大学院での恩師が作品のメタシアターの要素が強いという話をするときの「メッタメタのメタ」という言い回しがうつってしまい、私もすぐメタメタ言ってしまう。
遅れに遅れて、2022年舞台作品個人的ベスト5（順不同）。
Jerusalem (Jez Butterworth, Ian Rickson, Apollo)
Medea (Liz Lochhead, Michael Boyd, Edinburgh International Festival)
Tanz (Florentina Holzinger, BAC)
Lullaby for Scavengers (Kim Noble, Soho)
Not One of These People (Martin Crimp, Christian Lapointe, Royal Court)
あと、2021年ですがナショナルシアターのThe Normal Heartの再演がとてもよかったということは改めて書いておきたい。劇場が完全再開しきってない時期の作品で言っとかないと埋もれてしまいそうなので。
（漏れがありそうな…大丈夫かな）
Jerusalem (Jez Butterworth)
Europe (David Graig)
Translations (Brian Friel)
Beat the Devil (David Hare)
Home, I'm Darling (Laura Wade)
King Charles III (Mike Bartlett)
Leopoldstadt (Tom Stoppard)
An Octoroon (Branden Jacobs-Jenkins)
ear for eye (debbie tucker green)
Straight White Men (Young Jean Lee)
Love and Information (Caryl Churchill)
Making Noise Quietly (Robert Holman)
Romans in Britain (Howard Brenton)
Our Country's Good (Timberlake Wertenbaker)
Equus (Peter Shaffer)
Iphigenia in Splott (Gary Owen) (Shedinburghのオンライン配信を見る会)
East is East (Ayub Kahn Din)
The Normal Heart (Larry Kramer)
A Very Very Very Dark Matter (Martin McDonagh)
2021年1月から、友人とマイペースにクローズドなオンライン読書会を続けています。（面子的にイギリスがメインではありますが）英語圏の主に翻訳の出ていない戯曲を読もうという企画で、それなりに数を読んできたし一度リストをまとめておこうと思いました。振り返るとなかなか面白い作品の並びなのでは？と自画自賛です笑。
クローズドな会なので具体的なディスカッションの内容は書きませんが、やりっぱなしももったいないなと思っているので、私の感想くらいは今後は簡単に記録できれば。
ハッシュタグがあると読み返すのに便利そうなのでとりあえず→ #オンライン英語圏戯曲読書会
今年もイギリスでお正月過ごしてたらなーと思ったヨネダのネタ。
あと、流れで参加したポストトークも面白かった。自身の作品製作を'scripting courage'と表現するのがなるほどと思ったし、後半は観客と今のアーツカウンシルの現状についての意見交換的になっててそれも興味深かった。
おそらく関係者の方の話で、10年くらい前にイングランド北部の小劇場が予算削減で廃止に追い込まれ、その地域のアーティストが活動の場を求めてロンドンに移ったのに、それが今になって地方活性化のために北部へ移れという方針転換となっているのがとても理不尽だと。
マコーミック、NTの嵐が丘で主演して、来年もグローブ座のタイタスに出演で、メジャー路線での活躍が華々しいですが、個人での作品もこれからもめちゃくちゃ期待です。
Lucy & Friends
Lucy McCormickの新作。過去作と違って今回はキャバレーショー的な作品でした。パンデミックで予算もないし共演者は作品を降りるし…しょうがないからソロパフォーマンスやるのでついてはお客さんには私と友達になって作品を手伝って欲しい！みたいな導入。もちろんそんな微笑ましいわけはなくw
ポールダンス（？）ありポルノありシングアロングあり猫ちゃん（？）あり、一方で観客にナレーションを読ませたり小道具持ってこさせたり、大変のびのびとしたパフォーマンスw もちろん過激な場面も少なからずあるのだけど、マコーミックの客いじりの技術と持ち前の人懐こさがしっかりまとめ上げてる。マコーミックのユーモアで私が好きなのは、急発進急ブレーキ的な間の取り方と、（たぶん専門的に学んだと思われる）フェミクィアイシューのランティングの勢いとロジカルさ。ナラティブのしっかりしたPost Popularの方が作風の好みではあれど、今作もここは十分堪能できました。
Liz Kingsman: One Woman Show
初演から各紙大絶賛ではあったのですが個人的にはいまいち…。Fleabagのパロディと言われているように、Kingsman自身（というキャラクター）の仕事やプライベートのエピソードを自伝的パフォーマンスの形式で語っていく一人芝居。上演の記録映像を撮るという設定が一つ乗っかってメタシアターの要素も入れている。ただカメラの存在やスタッフ役の導入のために、表現としてはスタンダップのフォーマットに徹したFleabagよりも安易に見えてしまったし、作中のエピソードもいわゆる「嫌な女」像を強調するタイプのジョークが多くて冷めてしまう。
何より、演出やジョークも含めて露骨にPhoebe Waller-Bridgeを意識させる部分が多く、その物語的にも作品コンテクスト的にも女が女を妬むのを面白いとする感じが、Fleabagが描いたフェミニズムの良さをダメにしてる感じがして苦手でした。
あと、機材トラブルに悩まされるという設定はウエストエンド公演ではかなり無理がある気も。こればかりはソーホーで観たかったなぁと思いました。とはいえ、各紙レビューの絶賛っぷりがすごくて、ここまで食い違うと、私何か見落としてるかな汗という不安もちょっとあります…。
Betty! A Sort of Musical
いろいろあったサラ・フランコムの演出復帰作なんですが、これはたぶん脚本が良くない。女性として初の英国議会下院議長となったベティ・ブースロイドをテーマにしたミュージカルを作る市民劇団の稽古場が舞台。マキシン・ピーク演じるトキシックな演出家、メレディスを中心にドタバタありつつ作品を作っていくのだけど、ブースロイドはあくまでモチーフに過ぎず、物語の中心は劇団員たちで稽古場が舞台の軸。でも人間関係が掘り下げられるかと言えばそうでもなく、ミュージカルシーンはそれはそれで伝記物としてある程度のまとまりはあり、なんだかテーマがぼんやりしたままの一幕。
トラブルの末、二幕ではメレディスがブースロイド役を演じることになるのだけど、ブースロイドのキャラクターを固めず、メレディスの嫌な演出家のキャラクターを切り替えないまま役に入るので、これではブースロイドが嫌な奴に見えてしまう。
面白いなって思う部分も少なくなかったけど、製作チームは手堅いなと思っていたし伝記物ミュージカルを期待していたこともあって、全体的に消化不良な作品。観に行けてよかったとは思うのだけど。
楽曲は、How to Win Against History のSeiriol Daviesでした。
カーテンコールでのマクバーニーの挨拶で「演劇関係者は今すごく大変な状況に陥っているんです、でも我々にとって演劇とはライフであって、演劇/劇場とはコミュニティですよねみなさん！（訳は大意も大意です為念）」というようなことを言っていて、謝れとは思わないんですが、演劇の力みたいなレトリックをこういう時に使うの？ともやっとしてしまいました。というか、事前に来たメールとかも含め、リハーサル公演になったこと自体もわりとポジティブな言葉で表現をしていて（特別な公演になるだろうとか）、こうなんというか、神経が図太いのだなぁと…。
Drive Your Plow Over the Bones of the Dead
コンプリシテ新作の初日なんですがおそらく稽古が間に合わなかったようで、一幕は通常通り上演（でもプロンプターは有り。しかも舞台美術にモニターが反射しているという最悪コンディション）休憩後の二幕は公開リハーサル形式でという特殊な公演になってました。これプリマス公演中はもう直せなさそう。次のツアー都市からはどうにかなるか。
開演前に演出のマクバーニーからの挨拶があり（遅れの事情の具体的な説明は特になかったと思う）、二幕はマクバーニーが舞台脇について演出指示を出しながらの上演。珍しさからの好奇心はそそられるものの、あまりに未完成で作品としての面白さはわかりません。
色々と事情があるのだろうとは思うのですが延期の判断の方が良かったのではと思うし、こういう形式になるなら事前アナウンスが欲しかった（一応当日夕方にマクバーニーのナレーション付上演になるというメールは来た）。作品とリハーサルとではやはりこちらの観るモードも変わるし。
あとこれ一幕観る限りサスペンス要素がある作品なんですが、二幕が断片的になったことでそこが台無しに。原作ものなので、さすがにそれは元の作者に気の毒だったな。
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