あたしか @wakalicht@fedibird.com

実際に（再）制作された和紙を見てみますと、もとから様々な種類の和紙を混ぜ合わせていることに加え、屋外で漉き取っているので、素材を寝かせている間に落ちてきた葉っぱや虫の死骸なども混ざりこみ、えも言われぬ独特の風合いを帯びている。そうして作られた和紙2.0（和紙2.0？）数十種が今回の出展作の中でもメインを占めていたわけですが、それらが壁一面にあしらわれているのを見ると、それ自体がひとつひとつ絵画であるように思われてくる──というより、《大小さまざまな多種との関わりを自分事として捉える術が、私にとっては絵を描くことだと思う》（ステイトメントより）というのが山本女史の最も基本的な姿勢であるわけですから、絵画を多種との関わりというエコシステムに還元するのは、必然であったと言えるかもしれません。そのようなエコシステムへのコンタクトを、物質自体のリバースエンジニアリングという形で行なっているところに、彼女のクリティカルさが存在する。

既存の生産過程を逆行させて物質に戻していくリバースエンジニアリングは、それゆえ現在の資本主義においてその可能性自体が往々にして争点となります。とりわけそれが可視化されやすいのがIT系でして、（ハード／ソフト関係なく）その可／不可をめぐる巨大企業との権利闘争に発展する場面も多いという。ここではあまり深入りできませんが、このことはリバースエンジニアリングという行為自体に、現状の資本主義における資本と労働、あるいは資本と物質との関係性をめぐって、非和解的な違和が存在することを予感させるものがあります。してみると、山本女史の実践はローテクであるがゆえに、アートにおける、マーケットと非和解的で相対的に自律したエコシステムの可能性を、見る側によりヴィヴィッドに示しているのではないでしょうか。24日まで

Yoshimi Artsで開催中の山本志帆「山をくずして」展。主に広島を拠点に日本画家（院展の院友だそうで）として活動している山本志帆（1982〜）女史の、同所では４年ぶりとなる個展。今回は昨年gallery G（広島市中区）で行なわれた個展を再構成しているとのことです。

山本女史はこれまで、コンクリートジャングルのような人工的な環境との界面において生息する動植物をモティーフとした日本画を主にものしてきましたが、迎えた今回は、日本画を描くときに出てくる和紙の切れ端や過去の自作を水で溶かして再び漉き直した和紙自体を中心に、その過程で分離した岩絵具や、それらを用いて新たに描き直した絵が出展されていました。絵画のリバースエンジニアリングの結果生成された素材が中心になっていたわけですね。

かような、レース地やひらひらが多用されたカーテン、あるいは丸型の蛍光灯（昨今の事情を反映してLEDライトに変わっていましたが、まぁ同じことです）といった、一見すると舶来のイメージを強く喚起させるものに見えるけど実は日本独特のものを多用するところに、近年の東恩納氏が何をとらえようとしているかを垣間見ることができます──これらのものは、上述のような出処からしてオリジナルなきシミュレーション／シミュラークルと言うべきものであり、そのようなものが身の回りにごく普通に存在することの不気味さが、手を変え品を変え見る側に提示されることになる。しかもそれは、ミクロな政治性にもかかわってくることになるだろう

一見自然だと思える環境は、何らかの政治性や制度を潜ませているものとして見なされる。あるひとつの性質（例えば白さ）を過剰化させることで、そこに潜むものを顕在化させる》（清水穣「白と黒の揺らぎ：東恩納裕一の『ライト・ワークス』」

The Third Gallery Ayaで開催中の東恩納裕一「behind the drapes」展。80年代から活動を続け、蛍光灯を多用したオプアート的なオブジェやインスタレーションで知られる東恩納裕一（1951〜）氏ですが、大阪のギャラリーで個展を開催することはきわめて珍しく、関西では以前から注目を集めていました。当方もそれこそ10年以上前に東京でのとあるグループ展で接して以来になりまして(^_^;

さておき、今回は２フロアにわたって展開されています。先ほど触れたように、東恩納氏といえば蛍光灯を多用した作品がすぐに思い浮かぶところですが、今回は他にも様々な映像やインスタレーションが出展されていました。とりわけレース地やひらひらが入ったカーテンが主題となった作品が多く、近年の氏の関心のありようが割とストレートに表出されていたと言えるでしょう。

展覧会めぐり、後場はThe Third Gallery Aya→Calo Gallery→Yoshimi Arts→LADS Gallery→SUNABA Galleryと見て回りました

【本日お救いした文物】思想12月号（岩波書店）、大野光明・小杉亮子・松井隆志（編）『社会運動史研究5　直接行動の想像力』（新曜社）、小田原のどか・山本浩貴（編）『この国の芸術　〈日本美術史〉を脱帝国主義化する』（月曜社）

展覧会めぐり、本日は大阪。前場は大阪中之島美術館を見て回りました

アメリカでは70年以上のキャリアがあるにもかかわらず）知る人ぞ知る的な存在であるというカッツですが、そう言えば国立国際美術館が2006年に開催した「エッセンシャル・ペインティング」展（ https://www.nmao.go.jp/archive/exhibition/2006/post_130.html ）の出展作家の一人として名を連ねており、当方はここで初めて彼の作品に接した次第。同展では1960〜70年代生まれの、欧米におけるいわゆるニューペインティングのムーヴメントが切り開いた「絵画の復権」現象が常態化した1990年代に絵を描き始めた画家たちがフィーチャーされてましたが、そうしたニューペインティングおよびそれ以後の欧米における絵画の一潮流に対する老師的な存在としてカッツが特権化されていたわけでして、かかる史観（史観？）は当時の日本というか関西においてなかなかに画期的ではあったものです。

いずれにしても、依然として元気なおじいちゃんたちのlate styleに接する機会が昨年来続いてきた中で、その極みにある展覧会であることは事実でしょう。明日まで。

上長者町通新町（京都御苑の近く）にある有斐斎弘道館で開催中のアレックス・カッツ展。アメリカの絵画界における最長老的存在であるアレックス・カッツ（1927〜）、昨年ニューヨークで大規模な回顧展を開いたそうですが、日本での個展は1991年以来だそうです。

今回は今年描かれた新作《Study for Spring》《Study for Summer》シリーズを中心に、1990年代から一昨年までの約30年の間に描かれた人物画も交えて構成されていました。床の間に飾られた大作《Summer 12》（2023）以外はさほど大きくない絵画ばかりでしたが、まぁ御年96歳ですから、大作が一点でも描けることに驚愕すべきなのかもしれません。人物画以外は樹木とカラフルな背景からなる風景画で、座って見ると（江戸時代後期に建てられた）弘道館の中庭を借景することができるように構成されています。まぁ当方が見に行ったときには人が多くてアレでしたが​​

先ほども述べたように、今回近衛を描くことにしたのは、彼が天皇にかなり近い存在であるからなのですが、その死亡現場を描くという行為は、見る側にある不穏な想定を抱かせることになるだろう──これは形を変えた（神としての）天皇殺しであり、近衛 シミュラークルが自殺したことで昭和天皇は「人間」に転生し、もって戦後日本は敗北を抱きしめ（(C)ジョン・ダワー）、「内なるアメリカ」を内面化することになったのではないか、という。無論、以上は史実をガン無視した超フィクションなのですが、かかる近衛の死を不可視化することと「”アメリカ支配の構造”」の隠蔽はパラレルであり、そこから「戦後日本の権力構造」が始まったのではないかと、ここでの宮岡氏の絵画的実践は遂行的に述べていることになるわけで、それは実証を超えた魅力を放っていると言わざるをえない。戦後民主主義 -1.0。対象は若干異なるものの、これは紛れもなく上質でクリティカルな〈天皇アート〉（(C)アライ=ヒロユキ）なのです。

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ところで今回は近衛と昭和天皇に加えて、大画面に描かれたキリストの肖像画も出展されていました。キリストの肖像画と言っても、それはキリストの幕屋なるカルト宗教──先日来のイスラエル軍によるガザ地区への侵攻とパレスティナ人虐殺を支持するデモを都内で頻繁に開催して顰蹙を買っていることで知られています──の機関紙の表紙を元ネタにしている。そんなキワモノを元ネタにすることで、個の精神とキリスト教系カルトとが往々にして親和的と言ってもいい関係性を取り結んでいたという現実をも、氏の画業は既に射程に入れているのかもしれない。ここから次の個展でどのような成果を描き出すことになるか、興味は尽きません。さて……

KUNST ARZTで11.25〜12.3に開催された宮岡俊夫「僕の父親　内なるアメリカ」展。以前から画家として活動している宮岡俊夫（1984〜）氏の、同ギャラリーでは二年ぶりとなる個展。デビュー当初はネットなどで拾ってきた低解像度の風景画像をそのまま模写する絵画を手がけていたようですが、一昨年の「天皇　精神の焼跡」展（2021.9.21〜26、KUNST ARZT）において、いささか唐突に昭和天皇（1901〜89）の戦前期の肖像写真をモティーフに低解像度で模写し顔を塗り潰した絵画を出展して、京都の現代美術界隈で話題になっていました。当方も同展で初めて宮岡氏の作品に接し、天皇（あるいは皇族）という、現在における表現空間においても依然として炎上必至なお題をここまで明確に批評的な意図を持って描いたことに瞠目しきりだったものです。

さて、今回の「僕の父親　内なるアメリカ」展では、引き続き昭和天皇もモティーフになっていました（訪米時にディズニーランドを訪れたときの報道写真を模写していました）が、それ以上に目を引いたのは、近衛文麿（1891〜1945）を俎上に乗せた絵画作品でした。よく知られているように、近衛は終戦後GHQによって戦犯として逮捕される直前に自殺してしまいますが、宮岡氏はその直後にMPによって検死されている様子をとらえた有名な報道写真を元ネタにして大画面の絵画を描いている。宮岡氏いわく、近衛は天皇家の人間ではないものの血筋や家柄的に天皇にかなり近い存在であるから今回描くことにしたそうですが、

戦後日本において”アメリカ支配の構造”は隠蔽されている／そうした戦後日本の権力構造が日本人の精神においていかに／内面化されているか描こうとした（ステイトメントより）

しかしそれにしても、シレッと展示されているのに作者が近代日本画のビッグネーム揃いだったことに、そして作者名に一様に「先生」とついていることに驚くことしきり。ビッグネームも若手も「先生」の名のもとに平等に扱われているというのは、美術館でしか近代日本画に接したことのない者としては違和感が先に立ちつつ、しかし、表装という生活空間に密接にかかわるような場面においては、いたずらに展示的価値が強調されるような場面とは違った作品との関係があることが、かようなところに露呈しているように思われ、それはなかなか稀有な鑑賞体験でした。

そう言えば、きれいに軸装された浮世絵があったんですが、よく見たら春画だったので、つい吹き出しそうに。で、当方の背後で同じ絵を見ていた和服姿のご婦人が「これ春画やん！　よくやったなぁwww」と褒め称えていて草不可避。

京都文化博物館5Fで12.1〜3に開催された「第百六回　表展」。額装や軸装の専門業者の協同組合である京都表装協会の主催で大正時代から続いているこの表展、当方はもちろん見に行ったことはないんですが、個展やグループ展で作品に接する機会が多い日本画家の松平莉奈女史の作品が今回取り上げられている（谷崎潤一郎畢生の大作『細雪』を題材にした小品でした）と聞き、見に行った次第。

所狭しと並べられた作品群はどれも絵画が最も映えるように注意深く表装されていたと、さしあたっては言えるでしょう。キャプションを見ると表具の素材や模様、形式なども詳説されておりまして、おそらくそれぞれに意味や象徴性、使うときのTPOとかが定められているんでしょうけど、なにぶん当方はそのあたりについてはまったく疎いので（爆）。

𝕏 が破産する可能性についてのレポート。
確かに破産が見えてきてるだろうけど、マスクにとって破産は肩の荷を下ろせるタイミングじゃないかなあ。

銀行から借りた金は破産でチャラにできる可能性がある。そもそもリスク含みの利子かぶせてるんだし。取り立て訴訟はするだろうけど、タダの弁護士を使えるマスクなら耐えられる。

破産前に別会社にユーザーアカウントを移転しちゃえば、彼のやりたい銀行サービスは始められるしね。

https://www.bbc.com/news/technology-67599937